Fruit of Bottin & Palming/Inferior Concha (dyptich), 2019, collaged paper, acrylic and graphite on linen, 90×76″ (228x193cm)

日本語は英語の後に続きます。(コチラから)
June 15, 2020
Interviewed by Shohei Takasaki

Joseph Hart

Artist name: Joseph Hart
What kind of artist: visual artist (drawing & painting)
Based in: NYC, USA

Age: 43
Pronouns: he/him/his
Website: www.joseph-hart.com

DYH: Thank you for your time today (Stop biting your nails). Ok great, Ordinary can be good right? I’d love to start off with a boring question. What are you trying to express through your creative work? 
JH: Paradox has been a consistent idea in my work over the years. Through different approaches and materials, I play with formal relationships—like tension and balance, or controlled versus loose. I also think about conceptual oppositions like vanity and humility, and how our interpretations of these ideas can shift around. I want to make paintings that can be awkward and graceful at the same time. 

DYH: Do you have a certain routine/regimen you follow in your studio? What time do you start and end? How often are you in the studio? If you live with your partner or family, how do you work around each other’s schedules? Apologies if I seem intrusive, I’m quite curious.
JH: I typically ease into things, do some preparatory chores then jump in where I left off. Unless I’m teaching, I’m at my studio while our two kids are at school. My partner works in arts programming and arts education, so she has a more traditional 9 to 5 setup. We are all together as a family for dinner every night and on weekends.  If I’m on deadline, I’ll work nights, too. During this pandemic, I’ve pivoted to more of a childcare and home school overlord. My studio routine is on pause.   

Monk Tooth, 2018, collaged paper, acrylic and graphite on linen, 84” x 52” (213x132cm)

DYH: When you make a presentation to the public, what kind of things do you feel are most important in building your presentation?
JH: Making a show that feels cohesive and cared for is a priority. It’s a privilege to be able share work with the public. I take it seriously.

DYH: When/if you find yourself in a crappy mood in the studio (whether we like it or not don’t we all know this feeling…), do you have any silver bullet solutions to get yourself out of the funk? If so, please elaborate.
JH: I usually work through it. Reaching out to my support network for help and running a few times a week is an excellent way for me to get out of my own head and recalibrate. Sometimes just taking a beat and putting art down for a while is the best remedy.

Head Drawing, 2019, graphite on paper, 20×16″ (50x41cm)

DYH:  Did your parents ever teach you to “never ever lie”? Come to think of it…is the act of lying actually a bad thing?
JH: My partner and I have an agreement to never lie to our kids.

DYH:  Do you find yourself having exchanges like this? “What do you do? Ah I see, an artist eh? So, what kind of art?” What is your standard response to a witless inquiry like this? Do you tailor your response depending on whether or not the questioner is from the art community or not? In other words, please tell us how you usually define yourself.
JH: I say, “I’m an artist. I make drawings and paintings. I also teach and I hang out with my two kids.” If it’s someone who is still curious, I might describe my work, talk about materials, or where and what I teach. I try to find language and stories that can help us relate to each other. If the interaction is truly insufferable, I’ll redirect or find a reason to walk away.

DYH:  “Art should be open/accessible to everybody” — if you have any thoughts about this attitude, please share.
JH: The choice to make art should be for everyone. Art and culture can provide purpose, meaning and be absolutely transformative in a person’s life. Just the other day, my son and I were drawing in the mud with sticks and I thought to myself, “this is everything!” From another angle, the economics of being an artist, gated scenes, and the art market can feel disheartening and inaccessible.

DYH:  How would you describe the difference between the country you reside in versus the rest of the world?
JH: The U.S. has a long history of being a uniquely ignorant, cruel and violent place. Our original constitution and economy were born out of the genocide of Indigenous peoples, colonization and slavery. The U.S. has not properly dealt with any of this history, or how it has shaped the barbaric inequality that is on full display today. Inequality is systemically baked into our laws, institutions and imaginations. It’s absolutely horrific and must change. 

DYH:  Do you at all pine for the sort of expressive but innocent sketches or drawings done by young children? A certain yearning towards the freedom of crooked/misshapen sculptures that kids make?
JH:  Of course. And mud drawings.

DYH:  As a visual artist, do you ever find yourself in a pickle when you have to explain your work through words?
JH:  I’ve grown comfortable talking about my work over the years. I’ll offer added layers of context, but I don’t always feel the need to  “explain” my work. It’s an artist’s right to reveal as much or as little as they’d like. The viewer needs to be doing a certain amount of thinking and reflecting on their own to connect to a work of art. This may sound saccharin but we need to remember that art can be inexplicable, confusing, absurd, unknowable, unanswerable and magical. My Deep Color project wades into some of these mysteries and the different ways artists talk about their work.

DYH:  As a contemporary artist living in the year 2020, do you have any goals?Moreover, do you even think a goal is necessary for you as an artist?
JH:  We are in the midst of a global pandemic. My woes are minuscule relative to others but I’m feeling too disoriented to list specific goals other than to figure out a healthier and smarter version of how I live my life.  I’m re-evaluating a lot of stuff.

DYH:  Jerry Saltz likes to say “destroy your envy”. Does the act of comparing yourself to others play a part in your creative output?
JH:  Envy is not a driving force for me. Trying to solve the problem of making a satisfying painting, on my own terms, is what keeps me returning to studio. A friend of mine recently reminded me about a letter that Sol Lewitt wrote to Eva Hesse, in 1965. It’s really powerful, and a solid reminder on what artists should focus on. It’s online and worth looking up.

DYH:  Please describe what the most disgusting food you’ve ever eaten was. We’d love a story with that too, if you are able to share.
JH:  When I wasn’t looking, my kids once filled my coffee up with mustard and a handful of pennies.

DYH:  If you could change one thing about your body, what would you change and why?
JH:  Being more flexible would be nice. My fascia feels like old wood. I used to be able to dunk a basketball 5 different stylish ways. I’d like to get closer to that version of my physical self. Maybe that’s my artistic goal—to dunk again.

DYH:  What did you think of this interview? Apologies if the questions were meandering. If there are any last thoughts you’d like to leave with, please go ahead.
JH:  It was fun! I appreciate you inviting me to participate.

DYH:  Tell us a lie.
JH:  Eil a su llet.

DYH:  Did you wash your hands today?.
JH: Yes.

DYH:  Did you skip a meal yesterday?.
JH:  No.

DYH:   Tell us a fact you know.
JH:  Hyena shit is bright white from all the bones they eat.

DYH:  Have you ever cheated on a test?
JH:  Sure

DYH:  Where were you when you last jaywalked?
JH:  Brooklyn, New York.

DYH:   Are you annoyed?
JH:  Often.

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Fruit of Bottin & Palming/Inferior Concha (dyptich), 2019, collaged paper, acrylic and graphite on linen, 90×76″ (228x193cm)

June 15, 2020
Interviewed by Shohei Takasaki

Joseph Hart

アーティスト名 : Joseph Hart / ジョセフ ハート
種類 : ヴィジュアル・アーティスト (ドローイング & ペインティング)
活動拠点: アメリカ・ニューヨーク

年齢 : 43
性別 : 男
ウェブサイト : www.joseph-hart.com

DYH: まず初めに、ありきたりな、つまらない質問をさせて下さい。あなたは、あなたのクリエイションを通してどんな主張をしているのですか?
JH: 長年扱ってきたテーマの一つがパラドックス(矛盾)です。多岐に渡るアプローチと材料を使ってフォーマル(形式的)な関係性の中で遊びを模索しています。例えば、緊張と平衡、制御と暴走。あと、虚栄心や謙虚心の対峙する概念の解釈が変わっていく様など、についても考えます。武骨であると同時に優雅。そんなペインティングを作りたいと思っています。

Monk Tooth, 2018, collaged paper, acrylic and graphite on linen, 84” x 52” (213x132cm)

DYH: あなたのスタジオでのルーティーンはありますか?週にどのくらい、何時から何時まで制作しているのですか?もしあなたがパートナーやファミリーと一緒に生活しているとしたら、彼らとの折り合いはどうやってつけているのですか?ごめんなさいね、気になるのです。
JH: 大抵はフェードインするように入っていけますね。準備するものを準備して、前回終わったところからリスタート。子供2人が学校に行っている時は自分のスタジオにいることができる。私のパートナーはアート・プログラミングとアートの教育の仕事をしているので、一般的な9時〜17時のスケジュールです。夕食は、必ず家族全員一緒に食べます。週末もね。もし僕が締め切りに追われているときは夜もスタジオに戻って仕事をするときもあります。現在のこのパンデミックの状況の中では、スタジオの時間は少し脇に置いておいて、家での子供の世話、教育に時間を主に使っていますね。

DYH: あなたがパブリックにおいて、プレゼンテイションを行うときに、どのポイントを一番重視して組み立てるのでしょう?
JH: まとまりがあって、きちんと考え抜かれた展示であることが第一です。一般の方に作品を共有することができるのは特別なことですよ。ここは本当に大事なポイントです。

Head Drawing, 2019, graphite on paper, 20×16″ (50x41cm)

DYH: スタジオで、どうしようもなく落ち込むときに(ありますよね)、あなたが心がけている解決法はありますか?あれば、それは一体何ですか?
JH: 大抵は向き合いますね。気の許す友達に連絡したり、週に何回かランニングをするのも頭を切り替えるのに最適な方法ですね。あと、時にはアートから離れて一息つくのは、実は一番の特効薬だと思います。

DYH: ところで、親に「嘘をついたら絶対にダメだよ」と教えられてきましたか?「嘘」をつくことは、本当にいけないことなんでしょうか?
JH: パートナーと私の間では、子供達に絶対嘘をつかないと決め事をしています。

DYH: いつも自分に正直に生きることは、果たして、大切なんでしょうかね? 
JH: オーセンティック(本物・真価)が目標です。

DYH: 初対面で、こんな質問よくありますよね。「あなたは何をしているの?なるほど、アーティストですか。じゃあ、どんなアートなの?」立ち話程度の時に、あなたのいつもの答えはどういうものですか?アート・コミュニティの人たち、もしくはそうでない人たちなど、人によって答えを変えますか?つまり、あなたは自分をいつもどういう風に定義しているのでしょう。
JH: こう答えますね。「僕はアーティストです。絵やペインティングを描いています。そして、学校でもアートを教えています。2人の子供の父親でもある。」まだ興味がありそうなら、自分の作品についてもうちょっと詳細に答えたり、どんな材料を使っているのとか、もしくは、僕がどこの学校で、何を教えているか、なども話しますね。互いに共感できる共通の言語や話題を模索します。でも、もし本当に耐えられない会話になった場合、なんとか話題をそらしたり、その場から立ち去る理由を探しますけどね。

DYH:「アートは全ての人に開かれたものであるべき」という、このアティテュードについて、どう思いますか?

JH: アートを作るという選択肢は万人に与えられているものですよね。人によっては、アートや文化に生きがいを見つけることも可能だと思います。つい先日、息子と水溜りの泥に木の枝で落書きをしていて、ふと思いました。「これだ!これが全てだ」と。でもそれと同時に、アーティストとして生計を立てることの難しさ、堀に囲われたアートシーン、アートマーケットの不平等さを考えると意気消沈しますけどね。

DYH: 今住んでいる国と、他の国との距離はどのように感じますか?
JH: アメリカのむごく、暴力的、かつ無知な長い歴史は唯一無二です。我々の憲法と経済は先住民族の殺戮、植民地化、そして奴隷化に起源を持っています。この国は、自分自身の歴史ときちんと向かい合った事はありません。ましてやその事が昨今の残酷なまでの社会全体の不平等に繋がっていることさえも。アメリカにおいて官民を問わずありとあらゆる機関・団体・会社、法律、そして人々の想像力、これらすべての根幹に不平等が蔓延していて、制度化・組織化されてしまっています。とんでもない事であり、絶対に変わらなければいけない事です。

DYH: 幼い子供のスケッチやドローイング、ヘンテコな彫刻などへの憧れはありますか?
JH: もちろん。泥の落書きもね。

DYH: ヴィジュアル・アーティストとして、言葉で作品を説明することに対してのジレンマはありますか?
JH: 月日が経つにつれ自分の作品について語ることに慣れてきました。文脈や状況を添えたりしますが、実は敢えて自分の作品を「説明」しようとはしません。手の内をどれくらい明かすかはアーティスト本人の権利だと思います。ビューワー(観客)もある程度は、自分自身の解釈、そして独自のコネクションを作品との間に見つけることが必要だと思います。もしかしたら、これは甘ったるいアーティストの言い訳に聞こえるかもしれないけど、アートはもともと、不可説、複雑、不条理、不可知、そして時々答えは必要なく、とても不思議なものであるべきだと信じています。僕のDeep Colorプロジェクトではこのような葛藤や、アーティスト達が自身の作品について語る時の様々な視点を考察しています。

DYH: 今、2020年を生きるコンテンポラリー・アーティストとして明確なゴールはありますか?そして、そもそも実は、ゴールなんてものはアーティスト(あなた)にとって、必要なのでしょうか?
JH: 世界規模のパンデミックの渦中です。私が抱える苦悩は他と比べてつまらないものですけど、混乱している中なにか特定の目標を示すのは難しいですが、もっと健康にもっとスマートに生きていかなければ。それだけです。色々な事を根本的に考え直すタイミングでしょうね。

DYH: 例えばJerry Saltzは「Destroy your envy(自分の妬みをぶち壊せ)」なんて言っていますよね。そもそも、自分と他人とを比べることは、自身のクリエイションに深く関係していますか?
JH: 嫉妬は僕を動かす力ではないね。満足のいくペインティングを、自分の納得のいくやり方で成し遂げる、これが出来るがために毎回スタジオに出向いているのかなと。アーティストのSol Lewittが、1965年にEva Hesseに宛てた手紙を最近また読みました。アーティストは、一体何に集中しなければいけないか、思い出させてくれる。とても心が動かされる内容です。オンラインにあるので見てみる価値はあると思いますよ。

DYH: もし、一箇所だけ自分の体を好きに、自由に変えれるとしたら、どこをどう変えますか?
JH: もっと柔軟でありたいですね。もはや関節は古い木みたいだね、、、昔はバスケットボールでかっこよくダンクしていましたよ。それも5つのパターンでね!昔の自分の身体能力に戻れたらいいよね。それが目標です。またダンクすること。

DYH: このインタビューはどうでしたか?ダラダラと色々聞いてしまってごめんなさいね。そして何か最後に言っておきたい事があれば、何でもどうぞ。
JH: 楽しかったです!誘ってくれてありがとう。

DYH: うそをついてください。
JH: いさだく ていつ そう

DYH: 今日手を洗った? 
JH: はい。

DYH: 昨日ご飯を食べるの飛ばした?
JH: いいえ。

DYH: 何かウンチクを。
JH: ハイエナのうんこは真っ白。骨をたくさん食べてるから。

DYH: 過去にテストとかでズルしたことある?
JH: もちろん。

DYH: 前回どこで信号無視して道路渡った?
JH: ニューヨーク州ブルックリン市。

DYH: うざい?
JH: はい。

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